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爵色留聲機是爵色音樂工作室在工作、音樂上的一些記錄、心得、音響技術知識及音樂學習分享的園地。
從卡帶、匣式帶、盤帶、CD、數位音樂，到現在線上音樂，科技在短短一二十年間有了很大的轉變，技術的進步可幫助很多門檻降低，但不變的是聲音或者是音樂仍是種藝術，是種美感的呈現。從事聲音／音樂方面工作的過程中，很多都是從零摸索，努力學習出來的，不過也因為有很多摸索思考的過程，這些都成為每個人獨有的經驗跟資產。
爵色的名稱顧名思義就是爵士色彩，其實是剛開始回台灣工作時的爵士表演二重奏名，因為版主喜歡爵士樂，所以就一直沿用爵色這個名字。開立這個【爵色留聲機】版面除了爵色本身的工作心得分享外，也會分享一些爵士樂上的心得或訊息，希望大家多多點閱！
BY：爵色音樂工作室
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為了提供讀者更優質的閱讀環境，同時也方便自己寫文章，我把所有關於聲音文章都搬到方格子裡，也改名稱叫【Jazzer聲音研究室】，以後新的聲音相關文章也只會在那邊更新囉！
歡迎大家多多支持，幫我按喜歡、讚或分享，你們的支持，就是我繼續研究聲音寫下去的動力！
隨著科技的進步，錄音也有了一些黑科技，像是1998年因Cher一曲" Believe”裡面機器人聲效果而爆紅的AutoTune軟體，原來這類型是開發用在聲音的音高調整上，在此之前，要把聲音變高或低只能讓聲音跑得速度變快或慢，沒辦法維持原來的速度，有了AutoTune軟體後，才讓這件事情變容易，可以不改變原音的狀況下，調整音高曲線來修正音準，而歌唱或演奏時的音準問題才有了救星，能在後製時進行事後挽救，創意地運用此類軟體，過度調整產生的不自然聲響還能變成一種有意義的創作。有興趣的人可參考下面影片，了解AutoTune發展的歷史。
AutoTune發展歷史
在錄音數位化的過程中，當然DAW、plugin也算是時代的突破性發明，但發展的過程中，我覺得除了AutoTune外，近年就是iZotope開發的RX聲音修復軟體最令人驚豔了。這個軟體就有如聲音界的photoshop，可以對聲音瑕疵，像是爆音、嘶聲、電流聲、風聲、空間音等等聲音製作中不希望出現的問題進行修復，此軟體的出現簡直所有後製人的救星，在它出現以前，不是沒有這種降噪的機器或軟體，像是Dolby實驗室早在1965年就開發出降噪實體機器Dolby A；進入DAW電腦工作站時代後，像知名的母帶工作站Sonic Solution，除了出色的4點剪接功能及優異的數位波形顯示外，程式的No Noise降噪功能也極為出色，以前要幫類比母帶轉成數位母帶時，它裡面的Spectral De-noise、De-click、De-Crackle、De-clipping就是降磁帶噪訊的必用工具，只是當年的電腦處理速度沒現在快，跑一次處理要等很久。RX算是這些聲音處理軟硬體的集大成者，到了RX7後甚至可以AI聲音辨識，將樂器聲與人聲做分離，有了這套軟體真的幫大家省了不少時間金錢，讓許多聲音問題有了更好的解決方案。
下面我擷取一段1920-1940間古老的廣播音樂來做處理，大家可以比較原檔，聽聽最新科技能修復歷史錄音的程度
原始錄音
科技越來越進步，讓很多從前不可能的事，現在都慢慢變為可能了。舉例來說，以前因為錄音錄在盤帶上，成本很高，且盤帶會耗損，不能一直來回重複錄跟剪輯，所以要進錄音室錄前一定要以最佳狀態去錄，像是歌手要能自己掌握麥克風的特性，控制音量、咬字、音準、表情等等，能進錄音室錄音的樂手一定是拍子穩定、對樂器音色表情掌控能力、視譜、編曲、即興能力都很出色才有辦法勝任，這就是所謂的專業。但隨著錄音數位化，現在開始有各種plug-ins或像RX、Autotune、Melodyne之類的聲音修正軟體，可以借著後期製作去修復錄音階段出的差錯，但對錄音師而言，事情卻沒有因此變更容易，反而要做更多的工作，修更多的聲音。
以前有空時會好心幫忙一些沒什麼預算的獨立音樂人製作音樂，但後來慢慢發現不能常常愛心氾濫，還是得堅持自己的專業價值，才不會傷害自己及整個環境。像是這個專案，創作人找了朋友去錄製鼓的部份，問題就在於錄音室樂手不是每個人都可以當的！想要當錄音室樂手必要的基本功就是拍子要精準，要能跟著節拍器，並且準確地演奏出曲子想要呈現的情感與律動，而且無論重複錄幾次都要維持這樣。這些玩音樂的大家都知道，但進了錄音室後就不是這麼容易了，在完全安靜的狀態下，一個呼吸、一個手指不乾淨、一丁點的猶豫，都完完全全會反應在你的錄音上。這個專案鼓的部分是在鼓手的工作室錄的，拿到錄音檔時我就反應錄出來的鼓聲音量不夠，錄的很有問題，串音一大堆，但因為種種原因，這個麻煩從前端的錄音就推到了後製混音這邊，事先聲明一下，這絕對不是正確的製作觀念，但現卻常常變成後製剪輯及混音師要去承擔的事，不管現今有多少的黑科技可解決聲音問題，從前端錄音就要有好音質是不變的真理，別期望後面接手處理的人能拯救全世界。
不多說，來聽聽處理前跟處理後的鼓軌。說明一下這只是閒來無事玩了一下，還有其他處理方式。如果以化粧來比喻的話，原始分軌就是素顏，混音處理後的就是化粧後，母帶後期就是photoshop修圖了，現只讓大家比較化粧前跟化粧後的差別，混音後製的價值就在這裡，所以以後別亂砍錄混音師的價錢。
未經處理的原始鼓軌
Q：拿CD直接給壓片廠做CD就好了，為什麼要寫DDP母帶？
A：首先要說明一下，這邊指的CD是一般拿來聽的audio CD，也就是Redbook紅皮書CD，不是PMCD（PreMaster CD），兩者都燒在一般CD片上，CD播放機也都可以播出聲音，差別在於PMCD要寫母帶的軟體才能寫出來，裡面會多了這張CD的Cue sheet資料，記錄著專輯名稱、音軌起迄點、間隔、ISRC碼、CD-Text等等，像正式母帶DDP（Disc Description Protocol)一樣。
基本上不會建議直接拿已燒好或製成成品的CD給壓片廠去生產，因為CD在讀取時播放器會有偵錯機制，資料錯誤（error)在一定範圍時，機制會合理化內插（interpolate)取樣以應還原應有的數值，萬一錯誤太多，機制難還原聲音樣本時，就會直接Mute掉聲音。直接拿CD給壓片廠壓片，工廠必須去讀取CD內資料，讀取CD資料就可能產生錯誤，更別說工廠用幾倍速去讀取的，我們並不知道，讀取速度就像人看書，慢慢看你可以字字讀清楚，速看時就難字字讀出來，出錯的機率變高，這些錯誤都會被刻版進去，壓片時就會將錯誤壓進CD中。切記：數位轉檔、拷貝、傳輸並不代表不會降低訊號品質，當資料錯誤不斷累積之後，就會造成失真。拿CD做成DDP母帶的過程是母帶後期工程師可以掌控的，DDP檔可以上傳給壓片廠，也可以存/燒在光碟片中寄給工廠，壓片廠收到的是已經將聲音轉好的資料檔，不需要再轉檔就能讓刻版機讀取刻版，而且寫成DDP檔後，讀取端也會再進行資料驗證，確保內容正確性，所以即使是重製沒有DDP母帶的CD專輯，最好還是拿給母帶後期錄音室製作成DDP母帶，壓成CD產品後記得取回母帶，好好保管，以後再版時就不用再重寫母帶。
另外一提的是現在流行的串流音樂因為給的是音檔，沒有寫DDP這道過程，管理製作檔及完成檔一定要好好命名標註並備份，以免久了之後無法辨識哪個才是完成檔。
~爵色線上母帶後期處理服務請參考網站：www.jazzerstudio.com
之前參與翻譯的書終於都出版了，希望能對有志於聲音工作這條路的朋友們有些幫助，回歸正業也過了一陣子，來發表一下中譯的感想。
中譯在聲音工作這行上….也許應說影視技術這塊領域上，一直沒什麼有系統的中文化，現有的中文翻譯書也是各翻各的，甚至譯者不見得有這行經驗，反正先翻先贏也是某種話語權，至於翻的正不正確？合不合原意？是不是最佳的？業界認同？就見人見智了，很希望有個聲音權威的單位來統一這些譯詞，可惜至今只有國家教育院（https://terms.naer.edu.tw/）這個單位有試圖去做，但畢竟較偏學術人員去做的整理，在我翻譯查詢的過程中，還是覺得有些名詞翻的不夠精準，有點可惜。統一這些名詞中譯絕不是件容易的事，在我的學習過程中，曾經以為某些英文字只是各家廠商用詞不同，中文翻成相同意思即可，但後來才知外國人不是這樣看待的。比如說混音器上常見的Gain，一般我們翻成“增益”，但有些廠牌混音器上，相同功能的旋鈕叫Trim，甚至有的混音器上同時有Gain跟Trim，這時如果都翻成增益就分不清了，以功能來說，Gain多指訊號放大到可用大小沒錯，而Trim原文有削減、調整之意，雖然大部分指的功能跟Gain相同，但同時存在時，Trim多指訊號增益放大後的“微調”工作，這樣兩者中譯就能做出分別。
翻譯工作當然不是只有聲音工作者才能做，它必需有不同領域的人參與，因為許多術語也不是影音產業專用，物理界、學術界，甚至醫界都可能使用同一個單字去做表示。像是Echo這個字翻成“回音”或“回聲”都可，海中潛艇用的聲納或醫學的超音波也都使用這個單詞，之前做另一個案子時，居然聽到一種說法稱回聲跟回音兩者是不同的。有物理教育者認為聲音傳播應先學習回音才能談殘響（reverberation），但就我的認知，這兩種是不同現象，真的要講，應說聲音傳播一定會先提到反射音（reflection），回音或殘響都是之後發生的現象，不過因為我也不是聲學研究者，即使我求證一些人，發現解釋都不太相同，所以最後也是尊重教育者目前的解釋法。
另一個例子是attack這個單詞，聲音行業就有兩種不同地方可看到，一種是指聲音發出至消失的四階段ADSR（Attack-Decay-Sustain-Release），通常合成器製作聲音時常會用到；另一種出現在錄音工程的Compressor、Gate等效果器上，這兩方面的單詞意思相同嗎？
合成器上的ADSR指的是聲音產生到消失的四階段：
Q：送Mastering前混音檔案有沒有什麼要注意的？
A：混音跟母帶後期處理是兩樣類似，但卻不同的事。類似的是同樣在修頻率，處理音量動態，不同的是著眼點。混音是在處理不同樂器音軌間的平衡，而母帶後期處理是在處理不同歌曲間的平衡，尋求發行時最佳的聆聽效果。常常在製作獨立音樂專輯時，因為客戶多是自掏腰包玩音樂的人，預算不多，會希望你一手包辦所有錄混剪甚至母帶後期的工作，但做了幾年下來，個人深深地認知到混音跟母帶後期真的不要同一人做才是對的，不只是因為同一套工作系統會有其”聲音”存在，同一人執行這兩項工作也會喪失了客觀判斷的能力，看不清某些盲點。
混音要做成什麼樣子，才會好讓母帶後期處理呢？以下僅就數位檔案做討論說明。
1. 檔案格式：
目前最常用的檔案格式是wave檔，檔的取樣頻率（sample rate）理論上是越高越好，但實際上要考慮你的最終發行媒介與檔案數位備份要採用什麼格式。若會發行MV等影像產品，因為攝影剪輯多採用48kHz，所以給他們使用的聲音檔最好是48kHz，省去他們轉檔的麻煩，也可確保你給出去的聲音檔品質。44.1KHz跟48kHz所能涵蓋的頻率都已是超過人耳聽力20kHz範圍，兩者在製作成CD格式時差異並不大。位元深度（bit depth）會影響音樂的動態範圍，會建議從一開始就採24bit去製作，轉檔的事留給母帶後期處理最後去完成。
到底什麼是母帶後期處理（Mastering）？可能很多人都不是很清楚母帶後期處理在做什麼，所以版主有空的時候來談談母帶後期處理到底在做些什麼。
早年留聲機錄音時代，音樂被錄下後是直刻蠟筒上，後來在1887年Emile Berliner才將滾筒式留聲機改良成唱盤式的留聲機，進而在1891年有了蟲膠唱片(Shellac disc)這種新的聲音儲存媒體，讓音樂生產與保存上更為便利，錄音這時還算是直刻到唱盤上的。磁帶錄音機（Magnetophon）是德國AEG公司的工程師在1930年代時發明的，二次大戰時德國廣播公司就已拿來使用，但當時還算是一個軍事上的祕密武器，戰爭結束後這個新發明的祕密才被解開，1948年美國Ampex公司才開始商業化生產盤帶機（tape machine）Model 200A，錄音儲存載體才慢慢從唱盤逐漸轉移到盤帶上。剛開始錄音雖然換成用盤帶儲存音樂，但還是由專門負責刻唱盤的工程師將盤帶裡的音樂轉刻成唱盤發行（註：1948年才發明了保存上較不易碎裂的黑膠唱片Vinyl），而這位專門負責將錄音盤帶轉刻成唱盤的工程師，當時叫transfer engineer（轉換工程師），即是早期的母帶工程師。隨著錄音工業越來越發達，直刻兩軌變多軌，載體曲目數變多，這位刻板工程師要負責的事情也跟著越來越多，後來就開始稱他為母帶工程師（mastering engineer）了。
因為母帶工程師是整個唱片生產流程裡最後一位把關的人，他必需懂得整合來自不同地方的混音歌曲製作，懂得類比數位間載體的轉換，以及最終商品的製作過程與消費者使用的狀況，即使在現在幾乎可以全數位的時代，這也不是把歌曲集中調一調、做成母帶生產就算是母帶後期處理工程師，這份工作仍是需要高技術性及經驗的，若不懂得整個唱片製作環節，耳力不夠好，會很容易把前面錄混音師的作品搞砸。
（圖片出處https://klyker.com/how-a-vinyl-record-is-made-18-photos/）
Q：我的專輯一定要做母帶後期處理嗎？
音樂專輯的製作從錄音到最後的母帶後期處理，每一道都需要細細把關，最後才會有一張音質好聽的成品專輯與大家見面。母帶後期處理是一項非常專業的工作，是統整整個音樂專輯質感與幫專輯聲音品質把關的最後一個階段，好的母帶後期處理有助於音樂在各種播放音響系統有更優質的表現。
爵色音樂創意線上母帶後期處理平台正式成立，希望能服務到更多音樂創作人，讓有需要的人有個方便的方式將作品混音整理成專業工廠刻版用母帶或數位發行檔案。
歡迎參觀我們的網站，上面有很多母帶後期處理的相關知識及資訊，有任何母帶問題也歡迎與我們接洽。
人耳的聽力約是從20Hz~20kHz，不過多數人聽力可能都沒那麼好，而且聽力會隨著年齡的增長而慢慢變差，相信這很多人都知道，但我們對自己聽力的認識又有多少？是否曾實際去測試過自己的聽力呢？對一個從事聲音工作的人來說，從音樂家聲音表現、錄音、後製混音、母帶後期、聲音產品生產、到聽眾家裡播放出來，層層關卡都跟”聽”這件事有關，因此了解人耳對聲音的感知能力就成了很多科學家的研究標的。
1933年時，美國兩位在貝爾實驗從事研究的科學家Harvey Fletcher 與Wilden Munson在Journal of the Acoustic Society of America對人耳聽覺發表一篇文章 ”Loudness, its definition, measurement and calculation”，他們研究發現人耳對所有頻率的響度認知並不是相同的，人耳對不同頻率的反應會隨著音量而改變。當時的聲音工程對於大小聲的認識，都只以為是物理上聲能的強度而己，但他們的研究指出，人耳對聲音大小聲的感知不僅只是對能量大小聲反應而已，還涉及到其他因素，人耳本身對不同頻率在不同音量下，敏感度就不是相同的。這份報告出來改變了大家對聲音大小的認識，也對當時的錄音界、耳機、喇叭設計產生影響。
Fletcher-Munson提出這個測量結果時，測量的方式是找了一群耳力正常的受測者，將1kHz Sine wave用喇叭放出作為測試音，然後請受測者比對其他頻率哪個音量跟測試音的音量是相同的。自他們發表這項研究後，陸續又有許多人做進一步研究，2003年制定的ISO226標準，也就是我們現在使用的等響度曲線圖，是根據1956年D.W. Robinson與R. S. Dadson改良前面測試的缺失，在British Journal of Applied Physics上發表的文章”A re-determination of the equal-loudness relations for pure tones” 所做出的研究發表為雛型，經不斷修正，在2003年經ISO認證制定的，跟原來Fletcher-Munson研究最大不同點是改用耳機來對受試者做測試，減低喇叭播放時因空間反射與距離所造成的差異。
我們要怎解讀Equal Loudness Contours呢？上面這張圖藍色的曲線是 Fletcher與Munson當時所研究的結果，Y軸代表實際音壓強度(dB-SPL)，X軸代表不同受測頻率，圖上面的各條曲線是以每20個phon為測量單位去進行測試的結果。（註：phon是以 pure tone測出的聲音響度單位 ，0 phon代表人耳最小能聽到的聲音響度）：紅色曲線是根據後來的研究人員Robinson and Dadson所測量出的曲線為基礎，再行修正，在2003年認證為ISO226標準，也就是我們現在所說的Equal Loudness Contour (等響曲線)。以20 phon這條響度曲線來看，測試音1kHz為20dB-SPL時，60Hz的聲音要跟它聽起來一樣大聲，實際音量要達到58dB-SPL，3kHz只要15 dB-SPL就一樣大聲了。而在80 phon這條曲線上，測試音1kHz 80dB-SPL的音量，60Hz的聲音需要102dB-SPL才能聽起來一樣，與1kHz相差22dB之多，但20 phon時，60Hz與1kHz間相差的音量為38dB，表示在較低的音量下，低頻要給更多音量才能與1kHz有同等的響度。
80 phon時，3kHz約只要給78dB-SPL就與測試音有相同響度，差距只有2dB; 而在20 phon時，3kHz只要給15dB-SPL就夠了，比測試音少了5dB，這代表音量小時，人耳對3kHz較敏感，當音量變大時，反而沒低音量時敏感。
【翻譯】問：24bit的錄音要留多少預留空間呢？
我習慣用”老”方式錄音，也就是錄音音量在不失真下儘可能錄大聲，總是像老鷹般盯著表頭看，但到底在24位元的數位錄音規格下， 我的平均音量該在什麼位置呢？
SOS(Sound On Sound)技術編輯Hugh Robjohns回覆：基本的概念是將-18dBFS視同於類比系統表頭的0VU記號處，那是多數時間平均音量大小會在附近遊走的地方，瞬間峰值(Peak)當然會超過它，一般會打到-10dBFS或以上位置。鼓組多數是瞬間峰值的聲波，音量會常常衝上那位置。 如果你錄的東西瞬間音量是可被控制可預期的，像是硬體合成器，這樣在你想要的時候就可有效地減少預留的安全置頂空間（headroom）。
減少預留置頂空間唯一的好處是可將錄音系統的訊噪比(Signal to Noise Ratio)最大化，但如果訊號來源本身的訊噪比明顯比錄音系統差很多時，這會變成無意義，多數類比合成器及樂器在正常空間裡用麥克風收音都是這樣的狀況。類比電子器材的底噪(noise floor)或是空間本身的空音都會比數位錄音系統的底噪還高很多。
儘可能把訊號錄”大”因此並不會改善任何已有雜訊的演出，而只會讓它要跟其他錄在合適預留空間的音軌做混音時，造成困擾。商業發行媒體（如CD、MP3）幾乎完全沒有預留空間（峰值在0dBFS），而錄混音時卻是需要有預留空間，這兩者不同的做法常令人感到疑惑。
進入數位錄音時代後，錄音混音很多都是在數位的環境下進行，上回我們有分享過如何看音量表的文章，為什麼會特別分享音量表的知識？反正數位只要聲音不錄破就好了，又不像早年錄盤帶要考慮很多。進入數位世代後，幾乎在麥克風收音後就轉換成數位格式傳輸，後面所有的事都發生在電腦的DAW軟體中，少了很多類比傳輸間的問題，但是否就真的沒問題了呢？到底要錄到表頭上什麼位置才正確呢？
版主也是見證類比進步到數位世代的人，新手入門數位錄音常犯的錯我也都犯過，其中不得不提出來的是數位錄音的音量問題，這不只牽扯到聲音的美學外，也是必須終結"音量戰爭"的最大原因。很多新手或是非錄音師的音樂工作者對技術層面的知識不夠，很多積非成是的陋習在這圈子中流行著。為了讓更多人對錄音工程有正確的了解，版主有時間會自己寫或慢慢翻譯國外專業錄音技術雜誌的文章分享給大家，希望能對大家的疑問有所幫助。因台灣並無音樂工程上統一的字眼翻譯，所以有些字眼還是會用原文表示，而翻譯的文章會以一般能了解的表達方式呈現。
【確定你錄在適當的音量中】你可能錄太大聲了，原因是…
我將試著簡單明瞭地說明。這篇文章的誕生是來自數十或更多錄音討論版上關於錄音預留空間問題所引發的熱烈討論。對於特定習慣以及一般奉行的做法為何是很糟的？我希望能灌輸些基本認識，在你完成閱讀，也許也根據所講的做了一點實驗後，就不用我再來證明它了，你自己會知道的。
這是爛錄音的”神奇治療”法嗎？
